Bildende Kunst

Kinder sind in der Kunst ein sehr häufig aufgegriffenes Thema. Dass jedoch Studenten, Absolventen und Hochschullehrer einer Hochschule für Kunst und Design die Umgestaltung eines denkmalgeschützten Baukörpers vom Beginn der Planungsarbeiten bis zur Fertigstellung als Kinderkrankenhaus mitgestalten, ist sicher bisher ein seltener Glücksfall.

Die grundlegende Sanierung des denkmalgeschützten Gebäudes des Elisabeth-Krankenhauses in Halle bot die Gelegenheit, zusammen mit der Klasse von Prof. Ulrich Reimkasten der Burg Giebichenstein, Hochschule für Kunst und Design in Halle vollkommen neue Wege in der Ausgestaltung einer Klinik für Kinder auszuprobieren und zu beschreiten.

Die künstlerischen Bausteine sind seit der Einweihung des neuen Kinderzentrums St. Elisabeth und St. Barbara zu einem festen Bestandteil der täglichen Arbeit der Mediziner geworden. Sie werden jeden Tag von den Patienten neu entdeckt, erste Gebrauchsspuren werden sichtbar und sie helfen, Kinder und Eltern etwas von der Sorge um die Erkrankung abzulenken.

Es gibt schon jetzt viele Stimmen zu diesem im besten Sinne ungewöhnlichen Krankenhaus mit ganz unterschiedlichen Ansichten über viele Details im Spannungsfeld zwischen Kunst und medizinischem Alltag. Allen gemeinsam ist jedoch die große Bewunderung für ein gelungenes und funktionierendes Gesamtkunstwerk.

Die vorliegende Dokumentation mit ihren zahlreichen Fotografien gibt einen umfangreichen Einblick in die Raum- und Detailgestaltung im Krankenhaus, die es auf beeindruckende Weise schafft, Funktionalität und Geborgenheit zu vereinen.

Farbgewaltige, symbolgeladene Malereien, opulente Tapisserien und präzise, dichte Zeichnungen: Das Werk Ulrich Reimkastens ist reich, vielseitig und genreübergreifend. Dieses Buch präsentiert erstmals eine umfangreiche und repräsentative Auswahl daraus. Dabei liegt ein Fokus auf den großformatigen Malereien der letzten Jahre. Diese entstanden nach Reimkastens Reisen in die großartige Landschaft der mexikanischen Sierra Madre und zu ihren Ureinwohnern. In der Zusammenstellung wird die Veränderung in der Wahrnehmung des Künstlers nach der Begegnung mit dieser neuen Welt deutlich. Texte verschiedener Autoren setzen sich mit Reimkastens Weg der Suche nach Ausdruck, Erkenntnis und Selbsterkenntnis auseinander und interpretieren die verblüffenden Antworten dieses Künstlers, dessen Arbeiten im öffentlichen Raum ebenso bemerkenswert sind wie seine engagiert-offensive Tätigkeit als Hochschullehrer.

Eine zentrale Rolle in seinem Werk spielt die Zeichnung. Sie dient der konsequenten Auseinandersetzung mit den ihn bewegenden großen Themen Mythos, Mensch und Tier, Energie, Archaik, Utopie, Klang, Sexualität und Tod. Das Zeichnen ist für Reimkasten eine konstante Form der Reflexion und des intensiven Selbstdialogs. Sie ist der rote Faden in seinem Gesamtwerk, der dessen sehr unterschiedliche Ausdrucksformen verbindet.

Dieses Buch verfolgt den spannenden Weg eines Suchenden. Es überrascht mit immer neuen Wendungen und Auslegungen, die Reimkasten in der Beschäftigung mit seinen Themen findet. Es bezaubert mit einem Feuerwerk der Farben und lässt eintauchen in ebenso beeindruckende wie verstörende Landschaften. In seiner Summe macht es sinnlich erlebbar, wie Gesehenes erfahren, vergessen, erinnert, gefühlt und mitunter geträumt sein muss, bevor es sich begreifen, kommunizieren und fixieren lässt.

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Wolfgang Hütts Buch über die Entstehungsmechanismen bildender Kunst über 40 DDR-Jahre hin, exemplarisch vorgeführt am Beispiel des ehemaligen Bezirkes Halle (Saale), ist ein hochinteressantes Dokument der Geschichtsaufarbeitung. Die Darstellung ist exzellent recherchiert, gut lesbar und behandelt in nicht geschmäcklerischer Weise ein Reizthema der öffentlichen Diskussion. Sie gibt ihm 15 Jahre nach dem Ende der DDR eine neue Qualität jenseits von Emotionalität oder Eigeninteressen.  Halle mit seiner Kunsthochschule Burg Giebichenstein, der hier geführten Formalismus-Kampagne und exponierten Künstlern (von Erwin Haas und Carl Crodel über Albert Ebert, Otto Möhwald, Willi Sitte bis  Wasja Götze) eignet sich sehr gut dazu, aus dem Besonderen das Allgemeine herauszuarbeiten. In einer Mischung aus Zeitgeschichte und Zeiterleben wird ein System zwischen Lächerlichkeit und Gefahr herauspräpariert, gestützt und ergänzt von jahrelangem Aktenstudium (Protokolle von SED-Gremien, Stasiakten etc.). 

Wolfgang Hütts Buch ist ein Glücksfall. Seine Arbeit ist nicht kalkuliert auf Ostalgie hin, aufs Spektakuläre oder Sensationslüsterne. Sie entwickelt mit gleichermaßen distanziertem wie beteiligtem Blick ein objektives Bild, eines weit jenseits schneller Pauschalurteile. 

Wolfgang Hütt wurde 1925 in Barmen (Wuppertal) geboren, besuchte dort die Volksschule und erlernte von 1939 bis 1941 das Maurerhandwerk. Ein 1942 begonnenes Fachschulstudium beendete die Einberufung zum Kriegsdienst. Von journalistischer Arbeit begleitet, begann er 1946 in Halle (Saale) das Studium der Kunstgeschichte, Geschichte und Archäologie, promovierte 1956 und wurde 1961 als Oberassistent mit Lehrauftrag an der Universität Leipzig wegen des Verdachts staatsfeindlicher Gruppenbildung aus dem Hochschuldienst entlassen. Er arbeitete bis 1969 freiberuflich als Buchautor und danach bis 1971 als Direktor der Staatlichen Galerie Moritzburg in Halle (Saale). Diese Anstellung kündigte er nach Angriffen auf seine Ausstellungspolitik. Seitdem lebt er wieder als freiberuflicher Schriftsteller. Wolfgang Hütt veröffentlichte das wissenschaftliche Standardwerk über die Düsseldorfer Malerschule 1815-1869 und darüber hinaus eine Vielzahl populärwissenschaftlicher und monographischer Publikationen, Kinderbücher über Kunst sowie die beiden Bände seiner Autobiographie "Heimfahrt" und "Schattenlicht".  

"Der Kunsthistoriker Wolfgang Hütt hat sich als Wissenschaftler dafür interessiert, wie die politisch Mächtigen der DDR mit den bildenden Künstlern und deren Kunst umgingen, welche Aufgaben und riskanten Möglichkeiten gerade diese Künstler in einer repressiven, kontrollierten und ideologisch vergifteten Gesellschaft hatten, wie sie sich fördern, lenken und ehren ließen, aber auch dafür, wie sie sich Nischen und Freiräume für ihre Arbeit schufen und mit bisweilen hintergründigen Deutungen und Gegenwelt-Entwürfen ihre Wünsche, Hoffnungen, Bedrückungen und Ängste artikulierten.

Bei seinen Forschungen konnte der Autor auf viele wichtige archivalische Quellen zurückgreifen, vor allem auf umfangreiche Aktenbestände des Ministeriums für Staatssicherheit (MfS) und auf nachgelassenes Archivgut verschiedener SED-Führungsgremien."  

Das Buch stellt die deutschen keramischen Fachschulen als besonderer Typ kunstgewerblicher Ausbildungsstätten anhand der 1873 in Landshut (Bayern), 1879 in Höhr (Westerwald) und 1897 in Bunzlau (Schlesien) gegründeten Lehranstalten vor. Ihre Gründungsintentionen und Wirkungsweisen wurden für den Zeitraum von 1873 bis 1945 untersucht. Die Ergebnisse zeigen, dass gerade in den Jahren des Aufschwunges der keramischen Industrie, in der wissenschaftliche Erkenntnisse zunehmend tra-ditionelle Produktionsweisen verdrängten und eine ästhetische Gestaltung als Qualitätsmaßstab definiert wurde, die Fachschu-len mit ihrem künstlerischen und naturwissenschaftlichen Unterricht sowie der praktischen Werkstattarbeit eine entscheidende Position in der Ausbildung des Nachwuchses einnahmen. Die Historie zeigt sich spannungsreich und wechselvoll - sie spiegelt die geschichtlichen Prozesse und künstlerischen Stilwandlungen in Deutschland wider. Das auf reichhaltigen Quellenstudien basierende und reich bebilderte Buch verdeutlicht, dass künstlerische Lehrer und Berater wie Ernst Barlach, Artur Hennig, Jakob Julius Scharvogel oder Wolfgang von Wersin das Bild dieser Schulen in Deutschland auf nachhaltige Art und Weise geprägt haben.

Sally Schöne ist seit 1999 stellvertretende Leiterin am Hetjens-Museum o Deutsches Keramikmuseum Düsseldorf.

Es zählt nicht zum Ungewöhnlichen, daß Ehepaare im gleichen künstlerischen Metier wirken. Dabei wahren Rosemarie und Werner Rataiczyk in Malerei und Grafik eine deutlich unterscheidbare Individualität. Die Kunst des Mannes ist angesiedelt zwischen Realismus und Abstraktion, Gegenstand und Metapher, die Kunst der Frau verbindet einen Ausdruck von Harmonie und Stille mit Ordnungswerten der Malerei und Grafik. Das Besondere im Schaffen beider sind ihre in gemeinsamer Arbeit entstandenen Gobelins. Wolfgang Hütt hebt in seinem einleitenden Essay das Einmalige und Herausragende dieser Leistung im deutschsprachigen Raum hervor. Im Unterschied zu den in anderen Werkstätten als einzeln webenden Frauen weist das gemeinsame OEuvre des Ehepaares eine unvergleichbare Dichte auf. Werner Rataiczyk schuf zur Arbeit seiner Frau am Webstuhl die thematischen Entwürfe. In neueren Gobelins beschreitet Rosemarie Rataiczyk eigene Wege, setzt die auf ihren Gemälden in Gegenständliches eingebundenen Farbstimmungen reizvoll in das Absolute des Abstrakten um.

Rosemarie Rataiczyk - 1930 in Halle (Saale) geboren - studierte von 1947 bis 1952 an der dortigen Kunstschule Burg Giebichenstein freie Grafik, Malerei und Bildteppichgestaltung. 1952 Heirat mit Werner Rataiczyk. Im selben Jahr wird sie freischaffend und Mitglied im Verband Bildender Künstler. Ab 1952 Aufbau einer Gobelin-Werkstatt. Sie setzte Entwürfe ihres Ehemannes und eigene Entwürfe in oft großformatige Bildteppiche um. Nicht minder bedeutsam ist ihre Malerei. Große Gobelins befinden sich im Besitz verschiedener Universitäten, der Komischen Oper Berlin und anderer öffentlicher Einrichtungen.

Werner Rataiczyk wurde 1921 in Lutherstadt Eisleben geboren. Nach Kriegsdienst und britischer Gefangenschaft in Ägypten kehrte er 1947 nach Deutschland zurück. Er studierte von 1947 bis 1952 an der Kunstschule Burg Giebichenstein Malerei und Grafik bei Prof. E. Hahs, lebt seitdem als freischaffender Maler und Grafiker in Halle (Saale). Seit 1952 Mitglied im Verband Bildender Künstler.

Das Ernst Barlach Haus in Hamburg, das Käthe-Kollwitz-Museum Berlin und das Schloss Wernigerode stellen in Zusammenarbeit mit der Eugeen van Mieghem Stiftung Antwerpen einen vergessenen belgischen Künstler zwischen Symbolismus und Moderne vor: den Antwerpener Maler Eugeen van Mieghem (1875-1930). Die etwa 90 Werke - Gemälde, Pastelle, Zeichnungen - aus den Jahren 1895 bis 1916 sind Zeugnisse für den um 1900 in ganz Europa einsetzenden künstlerischen Aufbruch.

Eugeen Van Mieghems Wurzeln liegen in der französischen Kunst des ausgehenden 19. Jahrhunderts: zu seinen Vorbildern gehören Honoré Daumier, Henri de Toulouse-Lautrec, Edgar Degas und Théophile-Alexandre Steinlen, die ihm von den Salons in Brüssel und Antwerpen vertraut waren. Mit ähnlich sozialkritischem Blick charakterisierte van Mieghem das Milieu der prosperierenden Hafenstadt Antwerpen.

Max Liebermann gehört neben Lovis Corinth und Max Slevogt zu den wichtigsten deutschen Vertretern eines realistisch inspirierten Impressionismus. Darüber hinaus bekam die Freiluftmalerei von der durch Liebermann mitbegründeten Berliner Secession nachhaltige Impulse. Werke von Liebermann gehören heute zu den kostbarsten Schätzen der Museen. Dieser Begleitband zur Ausstellung der Schloss Wernigerode GmbH - Zentrum für Kunst- und Kulturgeschichte des 19. Jahrhunderts - zeigt den Werdegang Liebermanns seit seiner Weimarer Studienzeit bis hin zum Präsidenten der Berliner Kunstakademie zu Anfang der 1930er Jahre anhand der Sammlung des Kunstkreises Berlin GbR.

Der Maler Max Liebermann war in einer der religiösen Tradition verpflichteten modernen und wohlhabenden Familie aufgewachsen. Sein Judentum war ihm schlichte Selbstverständlichkeit. "Ich habe während meines langen Lebens mit allen meinen Kräften der deutschen Kunst zu dienen gesucht. Nach meiner Überzeugung hat Kunst weder mit Politik noch mit Abstammung etwas zu tun", schrieb Liebermann 1933 zwei Jahre vor seinem Tode, als er angesichts des aufkommenden Nationalsozialismus seine Mitgliedschaft in der Preußischen Akademie der Künste kündigte, deren Präsident er zwölf Jahre lang gewesen war. Der Band versammelt Porträts, Gartenlandschaften und Darstellungen Arbeitender aus dem Werk dieses einzigartigen Künstlers, entstanden in einem Zeitraum von mehr als 50 Jahren.

Nicht nur in den mit dem Jahr 1933 zunehmenden Demütigungen und Schwierigkeiten half ihm seine "heftige Liebe zur Malerei". Sie half ihm, den Hass zu überwinden, gab Trost und Selbstvergessenheit. Er pflegte auch das Zeichnen, das Radieren und Lithographieren, das erst in den zwanziger Jahren aufgenommene Illustrieren, aber auch das Fördern von Kunst und Künstlern. An einen Käufer schrieb er 1928: "ich habe es in diesem Sommer in meinem Garten gemalt und ich glaube, dass der Beschauer etwas von der Freude, die ich beim Malen hatte, empfinden wird."

Schon vor tausend Jahren wurde das Kloster Ilsenburg erwähnt. Dieses Jubiläum war im Jahre 2003 Anlaß, graphische Darstellungen aus einer Hamburger Privatsammlung von Ilsenburg und seiner Umgebung aus dem 19. Jahrhundert zu präsentieren. Dies ist umso bedeutsamer, als erst gegen Ende jenes Jahrhunderts die Photographie Techniken wie Radierung, Lithographie, Kupferstich oder Stahlstich bei der Dokumentation von Realitätsausschnitten ablöste.  Gerade aus dem Raum Ilsenburg sind die Abbilder früher Industriegeschichte sehr attraktiv. Hier reicht die Geschichte verschiedener Hütten zurück bis ins 16. Jahrhundert, hier ist seither eine bemerkenswerte industrielle Kulturlandschaft gewachsen - und hier ist die umliegende Natur des Harzes von ganz besonderem Reiz. 

Das Schloss Wernigerode entwickelt sich zu einem Zentrum für Kunst- und Kulturgeschichte des 19. Jahrhunderts. Dabei geht es darum, die Vielgestaltigkeit einer Epoche darzustellen und ihre Bedeutung für die heutige Zeit aufzuzeigen. Anläßlich des 100. Todestages von Oscar Wilde am 30. November 2000 werden in diesem Band Handschriften, Bücher, Photos, Plakate und sonstige Lebenszeugnisse von Wilde vorgestellt. Darüber hinaus wird das Leben von Oscar Wilde im Rahmen der Entwicklungsgeschichte vom Historismus zum Ästhetizismus anhand der englischen Entwicklung vor Augen geführt; dazu dienten die Wiedergabe und Erörterung sowohl von Werken der Präraffaeliten wie Edward Burne-Jones, William Holman Hunt, John Everett Millais oder Dante Gabriel Rossetti, als auch die Abbildung originaler Pressendrucke und sonstige Entwürfe von William Morris. Gleichermassen wird ein Augenmerk auf die Schriftsteller der Viktorianischen Epoche gelegt: William Makepeace Thackeray, Algernon Charles Swinburne, Alfred Tennyson und John Ruskin. Kunsthandwerkliche Entwürfe von L. F. Day und Walter Crane in Form von bedruckten Tapeten und Stoffentwürfen sowie sonstiger Gebrauchskunst runden das Bild des ästhetischen Englands im 19. Jahrhundert ab.

"Dieser fantastische Bildband überzeugt auch mit einer excellenten Ausfertigung ... ein wahrer Schatz für alle, die Freude an künstlerischer Schönheit haben - und vor allem für Jugendstil-Freunde ein absolutes MUSS!"

(General-Anzeiger )

"... In seltener Weise versammelt die Ausstellung mehr als zweihundert Werke: Gemälde wie das großformatige, äußerst selten gezeigte Werk 'Der Pilger am Garten des Müßiggangs' von Edward Burne-Jones ebenso wie Bucheinbände, Skizzen, Handschriften und typographische Kunststücke - allesamt Belege für den Glauben, dass sich hinter den Masken des Zeitalters nichts verbirgt, daß Form und Stil schon alles sind. 'Schönheit' heißt das Programm, dem sich diese Welt zu fügen hat ..."

(Frankfurter Allgemeine Zeitung)<